❤️ 요절한 천재 화가 라파엘로  미술 생애

        - 라파엘로의 생애

라파엘로는 미켈란젤로와 다빈치 화풍을 잘 흡수하고 또한 독창적으로 자기 나름대로 발전시켜서 르네상스 미술을 완성했다. 르네상스의 모든 특징이 다 잘 드러난다. 주문한 작품을 모두 완성해서 주문자에게 돌려주는 타고난 성실했고 큰 대중적인 인기를 얻게 만들었던 비결이었다.

라파엘로 산치오 다 우르비노는 아테네 학당이 특히 유명한데 <아테네 학당>은 에피쿠로스, 피타고라스, 안티스테네스 등 고대 그리스의 학자가 학당에 모인 것을 상상해서 그린 그림이다.

그는 우르비노 공국의 궁정화가, 조반니 산티의 아들로 태어나 어머니를 일찍 여의고 11세에 당대 이름을 날리던 피에트로 페루지노의 공방에 들어가 도제, 조수로 활동하였다. 화가, 조각가, 건축가, 데생화가, 제도사, 디자이너로서 초기작에서 스승의 영향이 보인다. 1499년 페르지아에서 피에트로 페르지노라고 하는 화가에서 배웠다.

그는 <성모 마리아와 아기 예수>를 비롯한 수많은 작품을 제작하였다. 1508년에 교황 율리우스2세의 부름을 받아 로마로 간 그는 그의 대표작인 아테네 학당이 포함된 프레스코 연작을 제작하기 시작한다. 라파엘로의 특징이기도 한데, 다른 화가의 장점을 흡수하여 한 발 더 나아가는 모습이 지속적으로 보이게 된다.

라파엘로는 두 거장에게 배울 수 있는 굉장히 좋은 기회였다.
그래서 두 거장의 작품들로부터 그는 많은 것들을 실제로 열정을 가지고 배웠고 한편으로는 두 과장을 비롯해서 수많은 쟁쟁한 화가들로 넘쳐났던 이 피렌체에서 화가로서 살아남았다고 생각하면 된다.

1500년부터 자립하여 그림을 의뢰받기 시작하였고, 1504년부터 피렌체에서 활동하였다. 1508년 로마로 건너가 교황 및 가톨릭교회의 의뢰로 많은 작품을 남겼다.

1504년 피렌체에서 예술적 전통에 고취되면서 F.F. 바르톨로메오의 장대한 화면구성과 레오나르도 다 빈치의 명암법을 배워 페루지노의 영향을 탈피하고 피렌체 파의 화풍으로 발전하였다.

교황청의 건축과 회화, 장식 등 미술 분야에 관한 감독 책임을 맡고 있던 라파엘로는 1518년의1518년의 《레오 10세의 초상에서는 군상을 훌륭한 솜씨로 처리하여 뛰어난 초상화가임을 증명하였다. 만년에 심혈을 기울인 그리스도의 변용(바티칸)을 완성하지 못한 채 그의 위대함을 알아보고 교황 직위를 내리려 했던 추기경 레오 10세는 라파엘로가 요절하자 그를 애도하면서 국가장을 치르게 한다. 라파엘로는 현재 로마의 판테온에 묻혀있다.

성실함과 사교적인 성품을 가졌다고 알려져 있으며, 짧은 생애에도 불구하고 많은 작품의 의뢰를 받아 훌륭히 마무리지었다. 르네상스의 절정을 이룬 화가답게 그의 그림은 고전 미술의 완성을 보여주고 있다. 단정한 선과 형태, 명료한 색상, 기품 있는 인물의 자세 연출, 배치와 구도의 극한에 다다랐으며, 르네상스 미술의 최고 덕목이자 서양 미술사에서 오랫동안 교과서처럼 여기는 '우아한 아름다움(Grazia)'의 원형을 만들었다.

영향을 다빈치로부터 받았다
간결한 피라미드 구조 또는 효과적인 빛의 사용 명암법, 수프마토 기법을 그래서 경계를 회하게 하는 수프마토 기법을 다빈치가 사용했는데 그것이 또 라파엘로에게도 영향 주게 되었다.

라파일러의 다빈치에 대한 존경심은 정말 대단한 것이어서 아테네 학당에서 플라톤의 얼굴을 다빈치로 그려놓을 정도였다.

 

세레자 요한이라는 작품을 보면하늘을  가리키고 있는 오른팔 즉 성 세례자 요한의 오른팔이 근육이 발달해했다. 이것은 미켈란젤로적인 요소가 들어가 있고 다빈치적인 요소인 빛을 효과적으로 사용해서 인물을 돋보이게 하는 기법을 사용하여 빛을 효과적으로 사용해서 성 세례자 요한의 모습이 돋보이게 만들었고 단순히 이 두 사람을 흉내낸 것이 아니라 사실은 창조적으로 표현했다고 볼 수 있는 것이 성 세례자 요한이 상당히 아름다웠고 그리고 이 몸이 우아한 몸을 가지고 있는 것을 볼 수가 있다. 
그래서 이 미켈란젤로와 다비치를 흡수하면서도 자신만의 방식으로 창조해낸 라파엘로였다.

 

 

❤️ 최고의 조각가 미켈란젤로의 미술 생애

1475년 이탈리아 중부 토스카라 아래쪽 근처에 카프레세에서 탄생을 했다.

지방의 지방 관료로 파견되어 있었던 아버지 루도비코 부오나로티와 어머니 프랜치스카 사이에서 다섯째 중 둘째로 태어나게 된다.

6살 때 어머니를 잃었고 평생 그의 삶에서 씻을 수 없는 트라우마처럼 남아 그의 작품 속에서도 스며들어 있는 것을 볼 수가 있다. 태어나자마자 석공 부인이었던 유모에게 맡겨지게 된다.
바사리라는 지역에서 하늘에서 재능을 자기에게 주었다면 바로 그 유모로부터 석공의 아내였던 유모로부터 아마 그 재능을 물려받았을 것이라 말하기도 했다.

당대의 최고의 화가의 공방에 들어가게 된다. 그런데 여기서 거만하여 다른 친구들의 작품이 너무 하찮게 보아서 

친구와 다툼이 생기고 주먹으로 얻어맞아가지고 그의 코가 주저앉아 외모에 대한 콤플렉스를 그때부터 갖게 되었다

외모에 대한 콤플렉스를 그때부터 갖게 되었다

자신의 얼굴을 많은 화가들이 작품 속에 은근히 넣는 것이 유행이었는데 한 번도 그러지 않았고  최후의 심판에 묘하게 들어가 있다.

로렌초 데 메리츠가 자신의 대에 와서 자신도 역시 할아버지처럼 많은 예술가들을 후원을 하고 있는데 뛰어난 조각가가 나오지 않는 것 몹시 안타깝게 생각했다. 그래서 자신의 가문이 있는 그 성당에다가 조각학교를 세운 것이다.
그리고 거기에다가 많은 고대의 작품들을 고대 조각상들을 거기다 모아놓고 도나텔로의 제자를 교장으로 앉히고 조각가를 양성하기로 한 것이다. 그리고. 당대의 최고의 화가인 기를란다요에게 조각의 재능이 있는 꿈나무들을 추천해 달라고 했다.
그때 바로 미켈란젤로가 추천을 받았다.

조각 학교에서 로렌초와 다빈치가 운명적인 만남을 갖게  되었다.
어느 날 조각 학교의 견습생 조각가였던 미켈란젤로가 조각하고 있었다.
우연히 본 로렌초가 늙은 목신인데 너무 이가 고르지 않느냐 이렇게 묻게 된다.
그런데 며칠 후에 로렌초가 이 소년을 다시 만났는데 깜짝 놀라게 된다. 어린 미켈란젤로가 망치로 그 신의 이발에 몇 개를 부수고 정말 늙은 신으로 표현해 놓은 것이다.
깜짝 놀란 로렌초는 자기가 찾았던 도나텔로의 뒤를 이을 만한 뛰어난 그런 조각가를 드디어 자기가 찾았다고 생각을 했고 그 이후에 아예 로렌초는 미켈란젤로를 자기 집에서 키우게 된다.

 
 
 

 

 
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❤️ 르네상스 화가들

        - 조토 디 본도네

조토 디 본도네(Giotto di Bondone, 1267~ 133718)는 이탈리아의 화가·건축가이다.

조토 디 본도네의 지오토를 르네상스의 시초로 많이 본다.
대표적 작품 중 하나가 유다의 옛 맞춤이라는 그림이다.
여기서 르네상스의 시작이라 생각할 수가 있는 조건은 중세 하면 아주 평면적으로 보통 묘사되어 있는데 이 그림은 그렇지 않다.
조토는 이탈리아 르네상스 미술의 선구자로서 비잔틴 양식에서 벗어나 피렌체 파를 형성하였다. 마침내 투시법에 의한 공간의 묘사에 성공하였으며, 생기 있는 묘사로 종교 예술의 신경지를 개척하였다.

천을 보면 입체적 효과가 나오기 시작하며 주제나 도상에 있어서는 중세 기독교 예술과 비잔틴 예술을 답습하였지만, 투사법과 단축법을 통한 공간감의 표현 그리고 사실적인 표정 묘사와 더불어 기존의 도상에 대한 과감한 변화와 같이 훗날 16세기 이탈리아의 르네상스 예술의 특징으로 향해가는 선구자적인 모습을 보인다.
그리고 얼굴도 살짝 부드러운 명암 처리가 되어 있어 당시에는 엄청 발전된 스타일이었다.
지금 봤을 때는 너무 투박해 보일 수도 있으나 그 당시에는 시대를 앞서가는 스타일이었다.
동시대의 사람인 단테(1265-1321)'치마부에의 시대는 갔다. 지금부터는 지오토의 시대다'라고 극찬했고 프란체스코 성당의 벽화 <성프란체스코전>에 참여해 2828점 중 일부의 벽화를 그렸다.

조토가 그렸던 그림 중 <동방박사의 경배>에는 핼리 혜성으로 추정되는 천체가 베들레헴의 별로 그려져 있어 1986년 유럽에서 발사한 핼리 혜성 탐사선의 이름으로 붙여지기도 했다.

 

조토의 스승인 치마부에가 외출하자 어린 조토가 스승의 그림 속 얼굴에 파리를 그려놓았더니 돌아온 스승이 파리를 손으로 쫓으려 했다는 일화가 있다.

조토는 많은 종교화를 그렸다.

 

 

조토의 애도


그중 애도라는 작품이 있다. 이 작품은 그리스도의 죽음 슬퍼하는 성모 마리아 천사들의 슬퍼하는 모습을 그렸는데 표정 묘사가 나왔다. 자연주의적인 접근을 통해 조토는 정면에서 벗어나 측면과 후면을 묘사하는 등 이전에 볼 수 없었던 공간감을 만들어 냈으며 단축법, 투시법과 명암을 이용해 평면에 입체감을 표현한 인물이다이전에 종교화에서 표정 묘사가 없었는데 새로운 경향이 나왔다. 희노애락의 표정이 다 숨겨져 있다고 봐도 된다. 이전까지 단순히 사실 기록을 위한 도구였던 회화를 작가의 감정을 보는 사람들에게 전달하는 매체로 바꾸어 놓았다는 평가를 받는다.

 

르네상스 시대 때 화가는 종합 아티스트였는데 대다수가 건축도 다 했고 시인, 학자이기도 했다.
조토는 산타 마리아 델 피어의 종탑 성당을 디자인했다.

프란체스코 성당의 벽화 <성프란체스코전>에 참여해 2828점 중 일부의 벽화를 그렸다. 그 후 1303~1305년까지 그의 대표작이라 할 수 있는 파도바의 아레나 예배당이라고도 불리는 스크로베니 예배당의 장식을 맡는다. 3개의 층으로 나뉜 38개의 구획들은 성가족과 예수의 일생을 그린 프레스코화로 채워져 있다

 

 

        - 도나토 디 니콜로 디 베토 바르디

얕은 돋을새김 조각으로 유명한 도나토 디 니콜로 디 베토 바르디(이탈리아어: Donato di Niccolò di Betto Bardi, 1386년경 ~ 14661213)는 이탈리아 피렌체 출신의 르네상스 시대 조각가이다

르네상스 초창기에는 도나텔로가 있어서 미켈란젤로가 피에타로 조각의 역사를 새로 쓰는데 도움을 주었다고 보는 편이다. 
이전 시대에 미켈란젤로의 다비드 이전에 적장 골리앗의 머리를 밟고 있는 다비드 다비드가 아주 어린 소년이었다. 소년의 모습으로 봤을 때는 도나토의  다비드가 구약 성서의 종교화의 주제로는 더 잘 어울리지 않을까 한다.

특이하게 좀 여기서는 모자를 쓴 모습으로 묘사되어 있고 미켈란젤로처럼 과도한 근육 묘사는 하지 않았고 좀 절제되어 있다. 골리앗과 다윗의 싸움으로 따지면 좀 어린애다운 약해 보이는 좀 더 자연스럽지 않을까 보이며 과장된 근육과는 좀 다르게 좀 더 자연스러운 소년의 모습으로 표현되어 있는 다비드 상이다.

기베르티, 브루넬레스키와 더불어 '르네상스 초기의 3대 조각가'로 불리며 대표작으로 <성 조르조 상> <다비드> 등이 있는 도나텔로는 로마에서 고대 조각을 연구하고 일찍부터 명성을 얻었다. 작품 경향은 중세적 자연주의의 전통과 고전의 형태미에 의하면서 차츰 새로운 힘찬 사실주의로 발전하였다. 특히 원근법을 써서 입체감을 나타내어, 있는 그대로의 사실주의적인 표현에 힘썼다. <가타멜라타의 가마상>은 특히 뛰어나 르네상스 조각의 걸작으로 꼽힌다.

도나텔로의 예술을 형성한 데는 브루넬레스코와 함께 로마에 유학한 사실을 들 수 있다. 대머리이기 때문에 <로 츠코네>라 불리는 상은 피렌체 대성당 종루의 감실용으로 제작된 것인데(14231425) 그의 철저한 사실을 실증하는 작품이다.

그는 융기한 목의 근육과 굽어진 손목, 중후한 의상, 응시하는 표정은 과연 힘 있는 남성적 리듬을 가지고 있다. 

일반 사람들과 같은 <그리스도 상>(1420?), 말라 빠져 추악한 <막달라 상>(1455?), <세례자 요한 상>(1455) 미라고 하는 추상적 표준을 희생하는 한이 있더라도 그 억센 인간성을 극명하게 묘사하려고 시도했다. 이것과 같은 계열에 속하는 사실주의적인 작품들이다.

 

 

청동 다비드 상

그러나 1440년경의 청동 <다비드 상>은 독립 조상인데, 종래의 전통을 파괴하고 있다. 그 평정한 자태의 표현은 고대 양식의 충실한 번역이라 하겠다. 가느다란 팔과 딱딱한 체구에는 우미한 곡선은 없지만 그의 예리한 관찰로 미성숙한 남자상을 남김없이 포착하고 있다. 토스카나 지방의 목동이 쓰는 것과 같은 모자는 다소 기묘한 감을 주지만 그 비고전적인 면모에 내려진 음영에는 개인적이고 성격적인 것을 암시하고 있다. 결국 특수성과 일반성의 결합이나 나체상에 비범한 인상을 부여하고 있다.

 

 

가타멜라타 장군 기마상

가장 잘 알려진 작품은 파도바의 산 탄토니오 성당 앞 광장에서 있는 <가타멜라타 장군 기마상>(1453)이다. 갑옷과 안장에 풍부한 장식을 다는 것으로 기사의 중요성을 강조하였고, 커다란 말에 끌리기 쉬운 사람에게 주의를 쏠리도록 노력하였다.  그가 로마에서 보았던 카피톨리노 언덕 위의 <마르쿠스 아우렐리우스 황제의 기마상>을 본으로 한 것이다. 인체와 마찬가지로 마체에도 해부학적인 정확함을 추구하였고, 다리와 코에 정맥이 부풀어 나오게 했고, 또 두부의 딱딱한 구조와 피부에도 극명한 현실의 관찰을 볼 수 있으며, 안장의 모포와 갑옷의 옷감 성질에 대해서까지 상세하게 묘사하고 있다.

초기 르네상스에 있어서 군상(群像)의 안정과 정밀이란 고전적 효과는 그 양괴성과 평형감으로 표시되었다. 말 탄 자의 수직선, 장군이 가진 칼과 지휘봉으로 구성된 날카로운 대각선, 커다란 말의 수평적인 중량감 및 말의 네 발이 만드는 삼각형이 기묘한 교차를 보여 주고 있다. 왼쪽 앞발 아래에 있는 구슬은 물리적 평형을 갖기 위해서도, 대좌에서 전진하려는 말을 저지시키는 데에도, 실제상의 필요에서나 장식상에서나 다 같이 군상의 안정성을 확보하는 역할을 하고 있다.  

그는 한 사람의 유능한 장군의 풍모를 표현한 점에서 벌써 뛰어난 초상이라는 것은 두말할 필요도 없지만, 나아가서 고전적 형식을 빌어 하나의 전형적인 인물을 구체화한 점으로 그것은 초상 이상인 것이다. 고대에 대한 공감과 철저한 사실과 근대적 지성, 그리고 인생의 희비극을 뚫어 보는 통찰 등, 이것을 무기로 하여 그는 초기 르네상스의 이상을 실현하였다.

 

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❤️ 르네상스 시대 미술

        - 르네상스 시대 미술의  개념

중세를 언제부터 언제까지인지 잡는 의견은 다양한데 보통 1453년의 동로마 제국의 멸망이나 1521년의 루터교회의 출현으로 잡으며 1304~1374의 페트라르카의 시대가 중세라는 의견이 많은 편이다.

 

르네상스 미술은 1400, 그러니까 14세기 후반부터 16세기 후반까지 이탈리아에서 철학, 문학, 음악, 과학, 기술의 발전을 같이 하면서 서유럽에서 일어난 문화계의 변화한 현상으로 회화, 조각, 공예 등에서 생겨났다.

르네상스는 예술의 부활이라는 의미로 미술이 수단으로 여겨지던 중세 미술에서 탈피하여 미술의 그 자체를 인정해 주던 고대 그리스 로마 시대로 돌아가자는 의미이다.

 

그래서 르네상스의 기본적인 성격은 고대 그리스, 고대 로마의 복원을 추구한다.  그래서 문예 부흥으로 번역된다. 

용어로서 르네상스의 의미는 '재생', '부활'이며 그 어원은 조르조 바사리의 책 1550년의 예술가 열전에서 미켈란젤로 부오나로티의 작품을 해석하면서 그리스와 로마의 재림이라 하여 이탈리아어로 리나시타(rinascita, 부활)이라 거론한 것이 시작이라 할 수 있다.

 

역사적으로 보면 기독교 중심이었던 중세 봉건 사회가 붕괴되고 상공업을 통한 근대 도시가 발달하면서 신 중심에서 인간의 존엄성을 중심으로 가치가 변화했다. 이때부터 신을 위한 미술이 아닌 인간과 자연의 현실 세계를 위한 미술을 과학적인 법칙을 통해 표현하고자 했다.

 

일반적으로는 중세적인 문화가 쇠퇴하고 근세적인 문화가 성립하게 되었다고 여겨진다. 

교황권이 약화되고 중세 흑사병 등과 도시의 발달 등으로 봉건 제도가 붕괴하는 과정에서 일어난 문화 변화로, 그렇게 중세적 문화를 부정하고 근세적 문화를 성립했다고 생각된다.

프랑스의 역사가였던 쥘 미슐레가 '르네상스(Renaissance, 재탄생)'(re, 다시 + naissance, 탄생)으로 번역하고, 스위스의 역사가였던 야코프 부르크하르트가 확실하게 정의 내린 것이다.

 

돈의 논리 혹은 배금주의와 반대에 있는 인문주의는 인간다움을 중요시하는 사상이라고 할 수 있다.

다른 말로는 인간주의, 인문주의라고 하기도 하며, 인도주의도 이 범주에 들어간다. 따라서 '인간애'라는 의미로 사용되기도 한다.

부르크하르트는 인문주의자들이 신이 모든 것의 중심인 기독교의 신본주의적 세계관에서 벗어나 인간이 모든 것의 척도였던 고대 그리스, 고대 로마 시절로 회귀하려 한 운동, 즉 인문주의라고 해석했다. 다만 르네상스식 인문주의가 '신으로부터 벗어나는 인간'을 의미한다는 해석에는 많은 반론이 쌓여있다.

 

그 반론으로는 예술과 문화에서의 성취가 개인에 대한 새로운 태도와 ‘문명화’라는 것이 무엇을 의미하는지 보여주는 미슐레, 부르크하르트, 페이터는 르네상스를 역사의 한 시대라기보다는 하나의 정신으로 바라보는 19세기식 개념을 만들어냈다. 르네상스를 이런 식으로 정의하는 태도에는 문제가 있는데, 15세기부터 계속된 현상에 대한 정확한 역사적 설명을 제시하기보다 그것을 19세기 유럽 사회의 이상향으로 설명한다

 

❤️ 르네상스 시대 회화의 혁신

르네상스 회화에서는 4가지의 혁신이 나타나게 되었다.


첫 번째 혁신은 멀고 가까운 것을 표현하여 공간감을 나타나게 해 준 원근법이다.
원근법은 브루넬레스키라는 건축가에 의해 처음 발명 되었다. 원근법이란 하나의 소실점을 기준으로 우리 눈에서 가까운 것은 크게 먼 것은 작게 그리는 방법으로 1차원의 평평한 그림에 3차원의 입체적인 공간을 표현하는 방법이다

두 번째 혁신은 밝고 어두움을 통해 입체감을 느낄 수 있게 해 준 명암법이다. 먼저 중세 시대와 르네상스 시대에 그려진 수태고지 그림으로 명암법의 차이를 알 수 있다

중세 시대의 고딕 양식으로 그려졌던 이 수태고지는 선을 위주로 평평한 느낌이 드는 반면에 르네상스 시대의 이 스테고지는 명암법을 통해 어두운 곳과 밝은 곳을 효과적으로 표현하여 입체감이 느껴진다.

세 번째 혁신은 그림의 세밀한 표현을 가능하게 해 주고 내구성을 높여준 유화의 발견이다.
유화는 얀반 에이크라는 화가에 의해서 만들어졌다.

이전에는 가루 형태인 물감 안료를 계란 노른자나 벌꿀에 개어서 사용하는 템페라라는 물감을 사용하여 금방 물감이 썩어버리거나 떨어져 버려 내구성이 낮고 정도가 낮아서 표현이 어려웠다.
얀반 에이크가 계란 노른자 대신 기름을 섞어서 써보았더니 훨씬 내구성도 좋고 부드럽고 세밀한 표현이 가능해지고 그림의 퀄리티가 훨씬 좋아지게 되었다.
네 번째 혁신은 수학적인 비례를 통해 안정적인 느낌을 준 피라미드 구도이다.
피라미드 구도란 마사치오라는 화가에 의해서 보완된 구도로 마치 이집트에 있는 피라미드처럼 그림을 배치하는 방식이다.
피라미드 구도는 특히 레오나르도 다빈치의 작품에서 자주 등장하는데 암굴의 성모라는 이 작품에서도 이렇게 피라미드 구도가 들어있다.

이러한 피라미드 구도는 황금 비례와 마찬가지로 작품을 감상하는 사람들로 하여금 안정적인 느낌을 받게 한다.

 

❤️ 르네상스 시대 미술의 화파의 특징

        - 피렌체 화파

이탈리아에 로마의 유적과 전통이 가장 많이 남아 있기도 했고 교황이나 군주 등 예술의 후원자가 많았기 때문에 이탈리아를 중심으로 르네상스가 나타나게 되었다.

그중에서도 피렌체와 베네치아에서 르네상스의 주요한 화파들이 등장하게 되었다.

 

 

마사치오의 아담와 이브의 낙원추방


먼저 피렌체 화파는 마사치오라는 화가를 중심이며 그림에서 인물을 중심에 두었고 명확한 윤곽선을 통해 정확한 형태와 양감을 표현하고 안정적인 구조로 꽤나 과학적이고 이성적인 논리에 의해 그림을 그렸다.

 

       - 베네치아 화파

 

조르조네의 폭풍

베네치아 화파는 조르조네라는 화가를 중심으로 그림에서 인물보다는 풍경 중심으로 형태나 이성보다는 현실주의적인 감정을 표현하게 되었다.
피렌체 화파와는 사뭇 다르게 빛이나 색 분위기를 중점으로 두며 역동적인 구도를 가지고 있는 등 상당히 감성적인 그림이라고 할 수 있다.

 

 

 
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