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❤️ 바로크 시대 미술

        - 바로크 시대 미술의 어원

어원은 ‘일그러진 진주’를 의미하는 포르투갈어로 'pérola barroca'에서 유래된 단어이며 프랑스의 여행가인 샤를 드 브로스의 편지나 생시몽 공작의 회고록에서 등장하기 시작했다. 바로크는 서양 예술사에서 시대를 구분하는 용어이자 예술 사조의 한 유형이기도 한데 뜻은 왜곡된 삼단논법, 혹은 불협화음으로 인한 비정상적인 소리를 의미한다. 진주와 같은 르네상스를 망쳤다는 의미로 후대 비평가들이 17세기 미술을 비하하기 위해 사용한 단어이다. 바로크 양식은 군주들에 의해 주도적으로 지원받은 궁정적인 바로크와 이보다는 상대적으로 자유로운 환경에서 발현한 부르주아적 바로크로 나뉘어 볼 수 있다.

르네상스 작품은 원근법을 강조한 그림이고 왼쪽 바로크 그림은 뭔가 작품의 크기도 그렇고 작품에 등장한 인물 수도 그렇고 과할 정도로 과장된 그림이다.
즉 오른쪽 르네상스가 조화와 균형 위에 중점을 둔 작품이라면 왼쪽 바로크는 과장 감성적이고 극적인 표현에 중점을 두었다.

❤️ 바고크 시대 미술의 대표적인 화가

        - 최초의 바로크 미술가 카라바조

최초의 바로크 미술가는 카라바조라고 간주되고 있다. 

메두사, 유디트 등 대표작을 그린 카라바조는 다채롭고 화려한 르네상스 회화들과 달리, 어두컴컴한 배경 속에서 중심이 되는 인물들에게 스포트라이트를 비추어 극단적으로 명암이 뚜렷하게 대비되는 키아로스쿠로(Chiaroscuro) 기법의 개척자로서 그의 회화 기법은 루벤스, 렘브란트 등 후대의 바로크 화가들에게도 큰 영향을 남겼다. 

그는 깊은 어둠의 배경과 주인공 주변의 환한 빛의 대조를 통해 인물을 강조하고 이렇게 빛을 이용해 그림 안에서 극적 연출을 하였다.  또 역동적 신체 표현이나 사선 구도와 같은 동적인 구도를 통해 그림을 보다 적극적으로 대중들에게 어필하려 하였다. 그리고 이러한 요소들은 아주 생생한 사실적 표현을 가능케 하였다. 그리고.그리고 현실의 아름다움을 잘 표현해 내었다면 바로 그의 사실주의는 현실엔 아름다운 것뿐만 아니라 추한 것도 있다는 것을 보여주는 그런 사실주의였다.

       - 고전적인 아름다움을 이용한 안니발레 카라치

또 다른 화가인 카라치가 르네상스 3대 거장 중 한 명인 라파엘로의 작품을 연구해 당시 매너리즘을 극복하려고 하였고 그 방법을 찾아냈다. 아이러니한 것은 매너리즘 작가들이 르네상스 작가들을 뛰어넘기 위한 방법으로 복잡하고 기교적인 그림을 그렸던 반면 카라치는 매너리즘을 극복하기 위해 전성기 르네상스 작가 라파엘의 고전적 아름다움을 이용했다는 것이다.

카라치가 선배인 마테냐의 그림에서 아이디어를 빌려왔다.
마테냐 그림과 마찬가지로 카라치 역시 예수의 발바닥을 보여주어 예수의 고난과 희생을 알려주는 것이 이 그림의 목적이다. 이 두 화가가 표현한 방법은 확실히 다르다. 만테냐의 그림을 보면 예수님의 발바닥에 박힌 상처가 하고 경건해지는 느낌이 느껴지는 반면 카라치의 그림을 보면 너무나 적나라하게 피의 표현 모습 부분과 예수 그리스도가 아주 비좁아 보이는 공간에서 자세마저 허리가 틀어져 있어 아주 불편해 보인다. 이는 보는 사람에게 불편한 느낌을 주는 것과 동시에 드라마틱한 느낌을 주었다.

       -  라스메니냐스 시녀를 그린 벨라스케스

스페인은 바로크 시기 벨라스케스라는 훌륭한 화가를 탄생시켰다.
색감은 베네치아 화풍에서 영향을 받았고 어두운 배경 부분은 카라바조의 영향을 받았다.
특이한 것은 표정인데 딱 봐도 좀 성깔 있어 보이는 교황의 모습을 통해 교황이라 해도 아주 사실적으로 표현한 것을 알 수 있다.
그리고 이것이 바로 르네상스와 바로 그의 차이이다. 만약 르네상스 시대 화가가 교황을 그렸다면 분명히 미화해서 그렸겠지만 바로크 시대 화가들은 이렇게 아름답지 않더라도 보이는 대로 인물의 성격을 그대로 드러낸 그림을 그렸다.

종교개혁으로 인해 약화된 지상의 가치, 인간이 지닌 감정, 상상력 등에 대한 가치를 반종교적인 입장에서 받아들였다.

서양 미술사 걸작 중 하나로 손꼽히는 라스메니냐스 시녀들이다.
마치 스냅 사진을 찍듯 순간 상황 포착이 매우 잘 표현되었다.
이 그림에서 가장 눈에 띄는 것은 인물들의 시선으로 그림 안의 인물들이 서로 본다거나 화가를 쳐다보는 것이 아니라 감상자인 우리를 바라보고 있다.

이 그림에서 공간이나 등장인물들은 모두 실제로 있는 것이지만 이 장면 자체는 온전히 벨라스케스가 만들어낸 것으로 그는 이 작품을 통해 예술가가 공간과 장면을 창조해 낼 수 있다는 것을 보여주었다.
창조자로서 예술가를 나타낸 것이다. 이 그림을 멀리서 보면 굉장히 자세히 그린 것 같지만 자세히 보면 그렇지 않다.
여기 공주의 상체 부분만 확대해서 보면 특히 여기 이렇게 이쪽에 공지의 머리 장식 부분을 보면 대충 붓질 몇 번으로 그린 것임을 알 수 있다.
즉 이전 작가들처럼 윤곽을 뚜렷하게 그리고 그 안에 색을 채워서 그린 것이 아니라 붓질 몇 번으로 색을 칠해 형태를 표현한 것이다.

       -  플란다스의 개에 나오는 루벤스의 그림

네덜란드 화가 중 루벤스이다. 사실 루벤스는 독일 출생이나 당시는 국가라는 개념이 등장하기 이전이었고 루벤스 자체가 워낙 네덜란드를 사랑했기에 되게 네덜란드 화가로 본다.
루벤스는 이후 살펴볼 렘브란트에 비해 죽을 때까지 엄청난 성공을 거두고 편히 살다 간 화가이다.

루벤스는 신교도가 많은 네덜란드에 있었지만 반 종교개혁주의자였다.
반 종교 개혁은 종교 개혁으로 세력을 잃은 카톨릭이 잃어버린 세력을 회복하기 위한 자성의 목소리로 일으킨 가톨릭 교회 안에서의 운동이다.
이런 반 종교 개혁자였던 루벤스는 다른 네덜란드 화가들에 비해 성화를 많이 남겼다.

십자가에서 내려지는 그리스도는 그의 성화 작품 중 가장 유명한 그림이다.
이 그림은 일본 후지티비 애니메이션 플란다스의 개로 우리에게 친숙할 수도 있는데요.
사실 이 애니메이션은 19세기 영국 소설을 바탕으로 한 것인데 화가를 꿈꾸는 소년이 주인공으로 나오는데 그의 평생소원은 루벤스의 그림 십자가에서 내려지는 그리스도를 보는 것이다.
그래서 크리스마스에만 공개된다는 루벤스의 그림을 보러 성당으로 가지만 너무 어두워서 결국 그림을 보지 못하고 네로의 애견 파트라슈와 추위에 견디지 못해 죽고 만다는 슬픈 이야기로 여기 나오는 루벤스의 그림이 바로 이 십자가에서 내려지는 그리스도이다.

       -  렘브란트의 역동적인 그림

카톨릭 성향의 루벤스와 달리 렘브란트는 개신교였고 이 영향으로 그의 작품 중 성화의 비중은 그렇게 높지 않다.
성화를 그리는 것이 성스러운 행동으로 인정받지 못했던 개신교에서 렘브란트가 주로 그렸던 것은 초상화로 특히 자화상의 경우 100편이 넘는다.
이 당시 네덜란드 암스테르담의 대표급 화가가 된 렘브란트는 암스테르담시를 지켰던 민병대 초상화를 의뢰받아 작품을 완성했는데 모두 똑같이 목숨을 걸고 암스테르담시를 지키는데 누구는 빛을 잔뜩 받아 주인공처럼 표현된 반면 누구는 어두컴컴한 배경에 묻혀 있어 등장인물들의 비중이 너무나 극명하게 갈렸기 때문에 이 초상화를 주문했던 민병대 단체는 불평했고 엄청난 욕을 먹었다.
오늘날 이 작품은 서양 미술사 최고의 작품 중 하나로 꼽히지만 당시엔 잘 나가는 렘브란트를 나락으로 떨어뜨린 작품이 된다.
그러나 미술사적으로 이 그림을 보면 바르코 스타일의 극적인 연출과 역동적 장면을 잘 표현한 작품으로 이 작품에 표현된 빛과 어둠의 사용은 오늘날 렘브란트의 조명 효과를 통해 주제가 한눈에 들어오고 감상자인 나도 그 속에 있는 듯한 사건에 동참하는 듯한 느낌을 받게 된다.

❤️ 미켈란젤로의 조각

        - 피에타와 다비드상

바티칸의 성 베드로 대성당 내 오른쪽에 전시되어 있고 2m에 달하는 높이와는 달리 옆면의 두께는 1m 정도밖에 되지 않지만, 옷자락 주름의 입체감 때문에 깊이 있는 공간감이 효과적으로 나타난 피에타는 성모 마리아의 아름다움과 예수의 죽음을 슬프고도 아름답게 표현한 작품으로 유명하다. 그리고 미켈란젤로의 작품들 가운데서 유일하게 그의 이름이 조각되어 있는 작품이기도 하다.

메디치가가 또 물러가고 사브나롤라라는 독재자가 한동안 통치 한 후에 새로운 공화정이 성립을 했다.
그래서 새로운 공화정의 정신을 기르기 위해서 시민 의식을 고취시키기 위해서 공화정의 상징인 궁 앞 광장에 이 다비드상을 세웠다.

20대 초반의 나이에 거장의 반열에 오른 미켈란젤로는 1501년 산타 마리아 델 피오레 대성당 위원회로부터 성당의 북쪽 익랑 위에 있는 부벽에 올려놓을 다윗을 조각해 달라는 주문을 받고 계약서에 서명했다. 돌팔매로 거인 골리앗을 물리친 다윗을 통해 압제로부터 시민의 자유를 쟁취한 피렌체를 나타내려는 의도가 담긴 작품이었다. 그는 조각의 재료로 적당하지 않다고 두 명의 조각가로부터 작업이 수십 년째 중단되어 버려진 5.5m짜리 거대한 대리석이었다.

그런데 26살의 미켈란젤로가 약 3년 동안의 기간을 거쳐서 다비디 상을 만들어냈다.
이 5m짜리의 거대한 조각은 10대 미소년의 모습으로 표현한 도나텔로의 청동 다비드상과 달리 청년 다윗으로 조각을 했다.

그런데 6톤에 이르는 조각상을 성당의 높은 곳에 올리기가 쉽지 않았고 장엄한 걸작을 성당 부벽 같은 곳에 갖다 둘 수 없다고 판단한 오페라 델 두오모는 다비드 상이 새롭게 놓일 장소를 정하기 위해 레오나르도 다빈치와 산드로 보티첼리를 포함한 피렌체 시민 30인의 위원회를 소집하기에 이른다. 토의 결과 이 조각상을 시뇨리아 광장에 있는 피렌체 시청 베키오 궁전 앞에 놓기로 결정했다.
미켈란젤로의 삶중에서 가장 자유롭고 자신의 명성과 존중을 받으면서 산 유일한 시기라고 한다.

        - 고난의 시스타나 천장화

교황권의 확립에 자신의 모든 것을 건 율리우스 2세 교황은 이탈리아의 도시들을 무력으로 정복하는 것도 서슴지 않았던 강성 교황이었다.
교황의 권위를 높이기 위해서 대형 건축과 예술에 돈을 쓰기로 마음을 먹었다.
이것이 소위 16세기 초 로마의 르네상스의 계기가 되었다.

건축가 라만테를 불러서 성 베드로 성당을 짓게 하고 조각가 미켈란젤로, 천재 화가 라파엘로를 불렀다.
미켈란젤로에게는 율리우스 2세가 자신의 영묘 자신의 무덤의 조각을 맡겼는데 가장 좋은 대리석을 구하기 위해서 미켈란젤로는 약 100km 떨어진 곳에 직접 가서 우마차로 항구까지 옮겨서 그리고 배에다 그걸 싣고 로마까지 그 대리석을 운반을 8개월 동안을 이 고된 작업을 했다.
그런데 율리우스 2세가 미켈란젤로가 만나주지 않았다고 한다.
화가 나서 피렌치로 돌아가버린 미켈란젤로는 볼로냐에 마지못해 다시 끌려가게 되었다.
그리고 교황 앞에 사죄를 했었다.
교황은 조각가인 그에게 그림을 그리라는 명령을 했고 그는 여러 차례 도저히 자신을 못하겠다고 교황에게 말을 했지만 소용이 없었고 할 수 없이 그는 시스티나 성당에 천장에 매달려서 고된 작업을 무려 4년 동안이나 해야 했고 그 4년 동안의 모진 고통의 시간들을 통해서 미켈란젤로는 성당의 천장을 다 덮은 이 거대한 회화를 경이적인 속도로 마쳤다. 보통 화가들은 그 10분의 1의 크기인 벽화도 3년 동안 그렸지만 그는 시스티나 소성당의 천장을 4년이 걸린 것이다.

회화라는 장르 자체를 싫어하는 데다가 하필 천장화. 조금만 잘못 하면 회반죽이 얼굴로 떨어지기 일쑤고, 이런 과정으로 이런 천장화을 그려내려면 회반죽이 마르기 전에 그림을 그려야 하기에 극단적인 심리적인 고통 속에서 이와 같은 대작을 만들었다는 것이다.

이 천장 벽화는 사방에 구약의 선지자들의 그림을 그려놓고 그 가운데 천지 창조 장면을 그려놓았다.
그 핵심에 바로 신이 하나님이 아담을 창조하는 장면을 그려놓은 것이다.
인간이 인간으로서 탄생하는 장면을 묘사를 하고 있는데 르네상스적인 휴머니즘을 이 작품 속에서도 표현하고 있었다.

        - 최후의 심판

클레멘스 7세는 계약서에 서명을 한 직후 하느님의 곁으로 돌아갔으며, 그 다음 교황인 바오로 3세 때에 작품이 완성되었다. 미켈란젤로의 작품에 많은 기대를 걸었던 바오로 3세는  '교황청의 최고 건축가, 화가, 조각가'로 임명하는 포고령을 반포했다고 한다. 

❤️라파엘로의 아테네 학당과 그의 생애

        - 아테네 학당을 그릴 때

1504년에서 1508년까지 피렌체에서 나름대로 성공적인 화가로서의 활동을 마치고 마침내 그의 예술가로서의 최전성기를 맡게 되는 로마에 입성하게 되었다.

율리우스 2세는 16세기 초 피렌체에서 르네상스의 흐름이 로마로 오게 되는데 로마 르네상스를 이끌었던 예술의 조예가 깊었던 교황이다.
그는 교회의 권위를 회복시키기 위해서 여러 예술가들을 로마로 불러들이게 되었다.
대표적으로 브라만테, 미켈란젤로, 라파엘로를 부르게 되는데 브라만테는 베드로 성당을 짓게 하고 미켈란젤로를 자신의 영묘를 조각하고 라파엘로를 불러서 자신의 집무실 4개의 방에 그림을 그리게 시켰다.
이때 라파엘로는 교황에게 보여주기 위해서 피렌체에 그렸던 많은 그림들을 들고 갔었다.
그 그림을 본 교황은 너무 마음에 들었고 이미 1507년에 교황의 개인 집무실을 꾸미기 위해서 고용한 당대 최고의 화가들을 해고시켜 버렸다.
그리고 자신의 개인 집무실 벽화를 라파엘로에게 모두 맡겨버리게 되었다.
그런데 그때 쫓겨난 화가들 가운데서는 그의 스승 페르지노도 있었다.
페르지노의 작품 천장화 하나만 남기고 나머지 그림들은 전부 뜯어내버리고 거기다가 새로 그림을 그리게 되었다.

4개의 방은 지금 라파엘로의 방이라고 불리게 되었다.
그중에 가장 유명한 것이 이제 서명의 방인데 서명의 방 가운데 이와 같이 네 명의 신학, 철학, 예술, 법학을 상징하는 여신들을 그려놓고 각각의 네 벽에 그 주제에 맞게 신학에 관한 주제, 철학에 관한 주제, 예술에 관한 주제, 법학에 관한 주제를 각각의 주제에 맞는 그림을 그려 넣었고 그중에서 가장 유명한 것이 바로 이 아테네 학당인 것이다.

아테네 학당 이 대작을 보면요. 원근법이 잘 적용된 궁전 같은 이 학당 공간 안에 고대 그리스와 헬레니즘 시대를 대표하는 여러 분야의 학자들이 총 54명이 망라되어져 그려져 있는 것을 볼 수가 있다.
우선 제일 먼저 배경으로 두 신 대 그리스의 신들 중에 지혜와 이성을 대표하는 아폴론 신과 아테네 신이 그려져 있었다.

엄밀하게 지켜지지는 않았지만 대체적으로 위에는 사상가나 철학가들을 그려놓고 있고 밑에 쪽에는 수학자나 과학자 예술가들을 선별해서 그려놓고 있다.

라파엘로 자신의 얼굴과 그가 사랑했던 여인의 얼굴이 그려져 있다.
이제 라파엘로는 자신을 이처럼 오른쪽 끝에 벽면에 그려놓고 있었다.
라파일로 자신이 정면을 보고 있다. 알렉산더 시절에 굉장히 유명했던 두 명의 궁정화가 아펠레스와 프로토 제네스 중에서 아펠레스에 자신의 얼굴을 그려 넣었다..
화가의 얼굴에 화가인 자신 얼굴을 그려 넣은 것이다.
그리고 왼편에 하단에 여인의 얼굴이 보인다.
이 여인의 얼굴은 고대 여성 수학자이자 철학자인 히파티아를 그린 것인데 이 히파티아의 모델이 되는 여인은 자신의 연인인 마르게리타 루티이다.

히파티아는 4세기에 알렉산드리아에서 활동했던 수학자이자 철학가였다.
지성과 미모를 경계했기 때문에 수많은 남성들의 청원을 받았다. 하지만 저는 이미 진리와 결혼했어요 라고 말하면서 수많은 청원들을 거절하고 평생 독신으로 지냈다.
결국 히파티아는 젊은 나이에 이단이라고 하는 그런 모함을 받고 잔인하게 살해되었다.
라파엘로의 연인 이 여인이 바로 마르게르타 루티이다.
특히 수많은 성모의 얼굴 모델이 되었는데 기존의 성모들과는 달리 아름다우면서도 관능적인 성모의 그런 모델로 자주 등장하게 되었다.

마르게타 루티는 라파엘로가 사랑했던 여인으로 라파엘로는 아주 사교적인 성격에다가 미남이었기 때문에 당시에 수많은 여성들이 이 라파엘로 주변에 몰려들었다.
그중에서 그가 가장 사랑했던 여인이 바로 제빵사의 딸이었던 마르게리타 루티였다..
당시에 라파일로는 화가 중에 화가 높은 지위를 누리고 있었던 반면에 제빵사의 딸은 신분적으로 매우 낮은 계급에 속했다.
그래서 이 마음 약한 라파엘로는 굉장히 사랑했지만 둘의 사랑이 알려지게 되면 후원이 끊기고 명성이 손상될 것을 염려해서 둘의 사랑을 비밀로 유지할 수밖에 없었다.

마르게리타가 자존심이 상해서 떠나버리고 떠나버린 그녀를 다시 붙잡기 위해서 라 포르나리나를 그렸다
그 작품 속 여인은 손모양이 정숙한 비너스에 손 모양을 하고 있교 머리에 진주가 장식되어 있다. 진주는 사랑의 결혼식을 의미한다고 한다. 그다음에 여기 팔찌를 그렸는데 팔찌를 확대시켜보면 우르비노의 라파엘로라고 새겨져 있고 약지 손가락에 반지가 그려져 있다.
이 작품 속에서 이 세 가지 상징물 모두가 다 결혼식을 의미하게 되는 것이다.
그러니까 나는 언젠가는 너와 반드시 결혼하겠다라고 하는 라파엘로의 진심을 담아서 이 그림을 그린 것이다.

그러니까 이 작품을 보고 실제로 라르게르타가 감동해서 돌아왔고 둘의 관계가 회복이 되었다.
그러나 1년 후에 이 작품을 그린 지 1년 후에 37살의 나이로 라파엘로가 갑작스러운 열병으로 죽었고 마르게리타 루피는 라파엘로를 죽게 만든 여인이라는 비난을 또 엄청나게 들었다.

무엇인가 골똘하게 생각하는 듯한 인물은 고대 철학자 헤라클레이토스라는 철학자이다.
그 모델이 그 유명한 미켈란젤로이다.
즉 헤라클레이토스의 모델로 미켈란젤로를 그린 것이다.

사실 이 미켈란젤로와 라파엘로는 사이가 별로 좋지 않았다.
특별히 미켈란젤로가 거의 피해의식에 가까울 정도로 라파엘로를 싫어했다.
주로 자신의 그림을 모방했다는 거 그리고 브라만테와 더불어서 자신을 모함한다라고 생각했기 때문이다.
그 당시에 라파엘로와 친했던 인물들은 거의 그 작품 속에 들어가 있는데 미켈란젤로는 거기에 들어가 있지 않았다.

라파엘로가 이 그림을 그릴 바로 그 시기에 바로 그 옆에 시스텔라 성당에서는 미켈란젤로가 그 유명한 천장벽화 천지창조를 그리고 있을 때였다.
그야말로 둘 사이에 라이브 의식이 절정에 달했던 그런 시기이다.
미켈란젤로는 혼자서 그 힘든 작업을 다 그려내고 기존에 있었던 보조자들마저도 다 잘라버렸다.

그런데 아테네 학당이 1511년에 완성되었을 때는 미켈란젤로의 모습은 거기에 그려놓지 않았다.
그러다가 1512년에 미켈란젤로의 천지창조가 완성 되었다.
천지 창조가 완성이 되어서 개봉이 되어지는 그날 이 작품을 보고 라파엘로는 완전히 자신의 마음을 바꾸게 되었다.

자신이 감히 따라갈 수 없는 그런 대가라는 것을 인정하지 않을 수가 없었다.
그래서 라파엘로는 그의 아테네 학당에다가 미켈란젤로를 그려 넣은 것으로 존경심을 표현한 것이다.

그림의 중앙으로 가면 그 유명한 플라톤과 아리스토텔레스가 있었다.
이쪽에 보면 플라톤의 제자들이 있고 이쪽에 보면 아리스토텔레스의 제자들이 쭉 서 있다.
플라톤과 아리스토텔레스를 확대시켜 놓고 보면 플라톤은 손을 위로 올리고 있다.
아리스토텔레스는 앞을 향하고 있고 플라톤은 아래의 세계가 저 멀리 보이지 않는 이상 세계 보이지 않는 곳에 있다라고 하는 주장을 하게 되는 것이고 아리스토텔레스는 현실 세계 속에 있다고 하는 것이다.
라파엘로는 다빈치를 대단히 존경했기 때문에 플라톤의 모델로 다빈치를 그려넣었다.

❤️ 요절한 천재 화가 라파엘로  미술 생애

        - 라파엘로의 생애

라파엘로는 미켈란젤로와 다빈치 화풍을 잘 흡수하고 또한 독창적으로 자기 나름대로 발전시켜서 르네상스 미술을 완성했다. 르네상스의 모든 특징이 다 잘 드러난다. 주문한 작품을 모두 완성해서 주문자에게 돌려주는 타고난 성실했고 큰 대중적인 인기를 얻게 만들었던 비결이었다.

라파엘로 산치오 다 우르비노는 《아테네 학당》이 특히 유명한데 <아테네 학당>은 에피쿠로스, 피타고라스, 안티스테네스 등 고대 그리스의 학자가 학당에 모인 것을 상상해서 그린 그림이다.

그는 우르비노 공국의 궁정화가, 조반니 산티의 아들로 태어나 어머니를 일찍 여의고 11세에 당대 이름을 날리던 피에트로 페루지노의 공방에 들어가 도제, 조수로 활동하였다. 화가, 조각가, 건축가, 데생화가, 제도사, 디자이너로서 초기작에서 스승의 영향이 보인다. 1499년 페르지아에서 피에트로 페르지노라고 하는 화가에서 배웠다.

그는 <성모 마리아와 아기 예수>를 비롯한 수많은 작품을 제작하였다. 1508년에 교황 율리우스2세의 부름을 받아 로마로 간 그는 그의 대표작인 아테네 학당이 포함된 프레스코 연작을 제작하기 시작한다. 라파엘로의 특징이기도 한데, 다른 화가의 장점을 흡수하여 한 발 더 나아가는 모습이 지속적으로 보이게 된다.

라파엘로는 두 거장에게 배울 수 있는 굉장히 좋은 기회였다.
그래서 두 거장의 작품들로부터 그는 많은 것들을 실제로 열정을 가지고 배웠고 한편으로는 두 과장을 비롯해서 수많은 쟁쟁한 화가들로 넘쳐났던 이 피렌체에서 화가로서 살아남았다고 생각하면 된다.

1500년부터 자립하여 그림을 의뢰받기 시작하였고, 1504년부터 피렌체에서 활동하였다. 1508년 로마로 건너가 교황 및 가톨릭교회의 의뢰로 많은 작품을 남겼다.

1504년 피렌체에서 예술적 전통에 고취되면서 F.F. 바르톨로메오의 장대한 화면구성과 레오나르도 다 빈치의 명암법을 배워 페루지노의 영향을 탈피하고 피렌체 파의 화풍으로 발전하였다.

교황청의 건축과 회화, 장식 등 미술 분야에 관한 감독 책임을 맡고 있던 라파엘로는 1518년의1518년의 《레오 10세의 초상》에서는 군상을 훌륭한 솜씨로 처리하여 뛰어난 초상화가임을 증명하였다. 만년에 심혈을 기울인 《그리스도의 변용》(바티칸)을 완성하지 못한 채 그의 위대함을 알아보고 교황 직위를 내리려 했던 추기경 레오 10세는 라파엘로가 요절하자 그를 애도하면서 국가장을 치르게 한다. 라파엘로는 현재 로마의 판테온에 묻혀있다.

성실함과 사교적인 성품을 가졌다고 알려져 있으며, 짧은 생애에도 불구하고 많은 작품의 의뢰를 받아 훌륭히 마무리지었다. 르네상스의 절정을 이룬 화가답게 그의 그림은 고전 미술의 완성을 보여주고 있다. 단정한 선과 형태, 명료한 색상, 기품 있는 인물의 자세 연출, 배치와 구도의 극한에 다다랐으며, 르네상스 미술의 최고 덕목이자 서양 미술사에서 오랫동안 교과서처럼 여기는 '우아한 아름다움(Grazia)'의 원형을 만들었다.

세레자 요한이라는 작품을 보면하늘을  가리키고 있는 오른팔 즉 성 세례자 요한의 오른팔이 근육이 발달해했다. 이것은 미켈란젤로적인 요소가 들어가 있고 다빈치적인 요소인 빛을 효과적으로 사용해서 인물을 돋보이게 하는 기법을 사용하여 빛을 효과적으로 사용해서 성 세례자 요한의 모습이 돋보이게 만들었고 단순히 이 두 사람을 흉내낸 것이 아니라 사실은 창조적으로 표현했다고 볼 수 있는 것이 성 세례자 요한이 상당히 아름다웠고 그리고 이 몸이 우아한 몸을 가지고 있는 것을 볼 수가 있다. 
그래서 이 미켈란젤로와 다비치를 흡수하면서도 자신만의 방식으로 창조해낸 라파엘로였다.

❤️ 최고의 조각가 미켈란젤로의 미술 생애

1475년 이탈리아 중부 토스카라 아래쪽 근처에 카프레세에서 탄생을 했다.